Heutzutage ist die Fotografie etwas, mit dem jeder von uns in Berührung kommt. In jeder Tasche befindet sich eine Kamera in Form eines Smartphones. In Sekundenschnelle ist sie eingeschaltet und das Bild, das wir vor uns haben, wird an unseren Freund am anderen Ende der Welt geschickt - oder an den, der neben uns sitzt. So wachsen Plattformen wie die sozialen Medien ständig und fangen den Alltag von Menschen rund um den Globus ein. Wir sehen andere, die für die Kamera posieren. Wir posieren ebenfalls, um von anderen gesehen zu werden.
Bei der Kunstfotografie entscheidet der Künstler, was er uns zeigen will - aber auch, was er uns fühlen und verstehen lassen will. Es ist seine Entscheidung, was er uns über die Person oder sich selbst mitteilt. Durch die Kunst wird der Fotografie eine neue Bedeutungsebene hinzugefügt. Sie vermittelt nicht nur sich selbst, sondern ruft Emotionen und Assoziationen hervor. Vor diesem Hintergrund ist es nicht verwunderlich, dass sich die Bedeutung und unsere Beziehung zur Kamera im Laufe der Jahre verändert und weiterentwickelt haben. Fotografiert zu werden, kann eine dokumentarische Funktion haben. Eine Möglichkeit, einen aktuellen Moment festzuhalten oder eine soziale Interaktion darzustellen. Es war und ist auch heute noch eine Möglichkeit der Selbstdarstellung. Heute kann der Akt des Posierens für die Kamera darüber hinausgehen: Er kann unsere Beziehung zu uns selbst beeinflussen oder sogar bestimmen. In einer Welt voller Selfies kann er sogar die Person selbst in Frage stellen. 
Look! ist eine Ausstellung, die all diese Aspekte vereint. Sie zeigt den Geist und die Gesichter unserer Zeit. Sieben Autoren aus verschiedenen Ländern zeigen ihre Werke und öffnen uns die Augen für Kulturen, Identitäten und die Frage nach der Realität. Die Werke von Lili Almog sind ein Beweis dafür, wie sich unsere Welt in letzter Zeit verändert hat. Wir sind distanzierter geworden, emotional und physisch. Die Porträts von maskierten Frauen in einer mit Brettern vernagelten Stadt sind zu einem neuen Symbol für den Zustand des Menschen geworden. Die Porträts von Michelle Sank sind ebenso emotional aufgeladen. Sie zeigen, wie Körpersprache, Performance und Kleidung Mittel des persönlichen Ausdrucks sind. Jedes von ihnen erzählt von einer Persönlichkeit und wird zu einer Metapher für Individualität und kulturellen Kontext. 
Das ist es, was uns auch Nelkens Arbeit vor Augen führt. In seinem erzählerischen Projekt über arbeitende Frauen im ländlichen Uganda verbindet er die Kraft des Porträts mit den eigenen Geschichten der Frauen, um ihre Individualität und ihr Durchhaltevermögen zu erfassen. Auch hier ist die Beziehung zur Kamera eine Art Selbstreflexion. Sie ist eine Darstellung dessen, was wir sind oder was wir sein wollen. Dazu gehört auch der endlose Druck zur Perfektion. Was wäre, wenn all das wegfiele? Was ist, wenn ein Foto genau diese Art von Umständen und Überforderung einfängt? Sind wir noch in der Lage, zwischen echter Persönlichkeit und einer künstlichen Puppe zu unterscheiden? Mit diesen Fragen beschäftigt sich Patty Caroll, indem sie Schaufensterpuppen in Innenräumen voller Dekoration und Objekte fotografiert. Das Gleiche gilt für Kent Krugh, der Röntgenfilme mit Fotografien kombiniert, um das endgültige Bild der beleuchteten Puppen zu schaffen. In gewisser Weise stellen sie das ganze Wesen des Menschen dar - Körper, Seele und Geist - vielleicht wiederauferstanden. Die Visualisierung der vollen Transparenz ist ein Versuch, unsere innerste Persönlichkeit in Bildern zu zeigen. Und doch ist sie der Inbegriff der physischen Oberfläche und wirft die Frage nach Authentizität und Künstlichkeit neu auf.
Die Darstellung von uns selbst bestimmt das Verhältnis zu unserem Körper. Oft scheint es, dass der menschliche Körper als eine Art ungeschriebenes Tabu betrachtet wird, das nur eine Art von Schönheit zulässt, die Perfektion suggeriert. Die Fotografien von Alexej Mendelewitsch lösen daraufhin eine Art Unbehagen aus und machen Schmerz sichtbar. Ebenso stellt der Künstler Lutz Matzschke durch die intakte Natur Patagoniens eine Rückverbindung zu unserem eigenen Körper her. Er verbindet unseren Körper mit der Umwelt und definiert ihn dadurch neu. Ist es das, was Authentizität definiert und ausmacht? Tatsächlich verändert sich nicht nur unser Verhältnis zur Kamera, sondern auch die Wahrnehmung von uns selbst.

Über die Künstlerin
Lili Almog, geboren 1961 in Tel Aviv, lebt und arbeitet in New York und ist bekannt für ihre intimen Porträts von Frauen auf der ganzen Welt. Mitte der 80er Jahre zog Lili Almog nach New York und begann ihre Karriere als Fotojournalistin, wobei sie ihren künstlerischen Fokus darauf richtete, den Zustand der spirituellen und kulturellen Identität von Frauen, die von der westlichen Kultur beeinflusst sind, mit Hilfe von Fotografie, Video und Installationen aufzuzeigen. Lili wurde in zahlreichen Ausstellungen gezeigt und ist in vielen permanenten und privaten Sammlungen internationaler Museen vertreten. Zu ihren Monografien gehören Bed Sequence; Perfect Intimacy; The Other Half of the Sky und Between Presence and Absence.

Über ihre Werke
"FRONTLINE" porträtiert die würdevollen, bescheidenen und mit einem Heiligenschein versehenen Krieger des Pandemie-Schlachtfelds in einer mit Brettern vernagelten Stadt inmitten eines Traumas. Die Diptychen verweisen auf die Trümmer der Demonstrationen und die farbenfrohe Kleidung der mitfühlenden Helden sowie auf die Stimmung, die von Traurigkeit und Mitgefühl zu rohem Zorn und Gewalt umschlägt.    
In diesen unruhigen Tagen finde ich eine Gemeinsamkeit zwischen der herausgeforderten Spiritualität der verschleierten Frauen und dem mutigen Geist der neuen Subjekte. FRONTLINE erforscht die verschleierten Gesichter dieser Frauen, die uns sowohl zuwinken als auch davor warnen, in dieser komplizierten und konfliktreichen Welt auf Distanz zu gehen. Die Porträts der maskierten Frauen in einer mit Brettern vernagelten Stadt sind zu einer neuen Metapher für den Zustand des Menschen geworden. Die Kunst erlaubt es uns, innezuhalten, durchzuatmen und nachzudenken; die gesellschaftlichen Auswirkungen stehen noch bevor.

Über die Künstlerin
Patty Carroll ist seit den 1970er Jahren für ihre hochintensiven, gesättigten Farbfotografien bekannt. Nachdem sie viele Jahre lang Fotografie unterrichtet hat, erfreut sie die Betrachter mit ihrer spielerischen Kritik an Heim und Exzess in „Anonymous Women“, einer vierteiligen Serie von Studioinstallationen, die Frauen und ihre komplizierten Beziehungen zur Häuslichkeit thematisieren. Die Fotografien werden in großen Formaten ausgestellt und wurden 2017 als Monografie „Anonymous Women“ bei Daylight Books und 2020 als „Domestic Demise“ bei Aint-Bad Books veröffentlicht. Die Serie wurde international ausgestellt, hat mehrere Preise gewonnen, wurde 2014 und 2017 als eine der „Top 50“ von Photolucida ausgezeichnet und wird seit 2014 in renommierten Blogs und internationalen Magazinen vorgestellt.

Über ihr Werk
In meiner Arbeit "Anonyme Frauen" geht es um die Verflechtung von Frauen und Haus, die zu dem Begriff "Hausfrau" führt. Bei allen Fotografien handelt es sich um nachgestellte Innenräume, die mit Dekor und Gegenständen gefüllt sind und eine einsame Frauenfigur umgeben, die getarnt ist und von der oft nur Teile sichtbar sind. Sie ist sowohl Opfer ihrer Obsessionen, Aktivitäten und Umstände als auch deren unsichtbarer Schöpfer; sowohl zufriedenstellend als auch problematisch, pathetisch und humorvoll. Die aktuelle Identitätspolitik erkennt die unsichtbaren Vorstadtfrauen nicht an, die als privilegiert gelten, aber durch die Perfektion und die Erwartungen früherer Zeiten eingeschränkt sind.    Meine Inspiration hat viele Quellen: farbenfrohe alte Filme, traditionelle Stillleben, Dekorationszeitschriften, eine Vorstadterziehung, das Spiel Clue, viktorianische Schriften usw. Mit diesem Werk möchte ich die Aufmerksamkeit auf die unsichtbaren, heldenhaften Frauen lenken, die im Stillen ein Haus, eine Familie und oft auch eine Karriere führen. Die Figur symbolisiert so viele Frauen, unabhängig von ihrer Kultur oder ihrem Hintergrund, mit Wurzeln in der Konsumkultur und der Art und Weise, wie wir Dinge nutzen, um Kontinuität und Tradition zu gewährleisten.  Auch wenn der Humor in diesen Erzählungen überwiegt, so hat die Botschaft dahinter doch dunklere Implikationen über die Rolle der Frau in allen Gesellschaften. Meine Frau ist sowohl die Schöpferin als auch das Opfer ihrer eigenen Besitztümer und Obsessionen. Ihr Zuhause ist zu einem Ort der Tragödie und der Gefahr geworden, mit Szenen von lustigen und herzzerreißenden Missgeschicken und Schrecken. Auch wenn in diesen erzählerischen Bildern der Humor überwiegt, so hat die Botschaft, die sich dahinter verbirgt, dunklere Implikationen über die Rolle der Frau in allen Gesellschaften.

Über den Künstler
Kent Krugh ist ein Fotokünstler, der in Cincinnati lebt und arbeitet. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und auf großen Festivals wie dem FotoFest in Houston und dem Festival de la Luz in Buenos Aires ausgestellt. Er hat zahlreiche Preise und Auszeichnungen in nationalen und internationalen Print- und Portfoliowettbewerben erhalten und war Finalist bei Photolucida Critical Mass. Seine Arbeiten befinden sich in verschiedenen Sammlungen wie dem Cleveland Museum of Art, dem Portland Art Museum und dem Cincinnati Art Museum.  Das Buch mit Kamera-Röntgenbildern und Essays von A.D. Coleman und Barbara Tannenbaum, Speciation: Still a Camera, wurde 2018 bei Fraction Editions veröffentlicht.

Über sein Werk
Meine Mutter sammelte Puppen, die verschiedene Kulturen repräsentierten, die sie auf ihren lebenslangen Reisen besucht hatte, und schenkte sie meinen Töchtern. Als meine Töchter heranwuchsen, verloren die Puppen ihre Bedeutung und wurden in eine Kiste in meinem Keller verbannt. Jahre später stieß ich auf sie und fragte mich, ob man sie wieder zum Leben erwecken könnte. Als das Projekt wuchs und ich begann, einige der Bilder auszustellen, waren Freunde und Sammler fasziniert von den Puppen und anderen wichtigen gegenständlichen Objekten, die sie in ihren Kartons aufbewahrt hatten, und boten sie mir an, um zu sehen, welche Geheimnisse sie durch diesen Prozess preisgeben würden. Die Puppen wurden auf einen Röntgenfilm gelegt und dann mit einem Strahl hochenergetischer Röntgenstrahlen aus einem Linearbeschleuniger bestrahlt.  Diese Art von Strahlung wird auch bei der Behandlung von Krebs eingesetzt.  Die Puppen wurden auch fotografiert. Diese beiden Bilder, Röntgenbild und Foto, wurden kombiniert, um das endgültige Bild zu erstellen. Das Objekt, das nun sowohl von innen als auch von außen abgebildet ist, scheint auf dem zusammengesetzten Bild lebendig zu werden.  In gewisser Weise versuchen diese Bilder, das gesamte Wesen des Menschen - Körper, Seele und Geist - darzustellen, das möglicherweise wiederauferstanden ist.

Über den Künstler
Lutz Matschke wurde 1959 in Lomas de Zamora in Argentinien geboren. Nach seinem Studium am International Center of Photography in New York machte er seinen Abschluss bei Nancy Davenport und in Photoästhetik bei Juan Travnik in Buenos Aires.  Er war als Dozent an Universitäten in Buenos Aires tätig und ist heute Lehrender an Hochschulen in Schöneberg und Berlin. Seine Werke sind in zahlreichen Sammlungen, wie das Musuem of Modern Arts in Rio de Janeiro oder das MMK in Buenos Aires, vertreten. Heute Lebt uns arbeitet Lutz Matschke in Berlin und Patagonien.

Über sein Werk
I'm all face" manifestiert die Beziehung des Körpers zur intakten Natur als die Gegenseitigkeit, die die südamerikanischen Tehuelche, von Magellan 1520 Pathagoni genannt, mit ihrer Umwelt hatten. 
Der argentinische Ornithologe William Henry Hudson erwähnte dieses Gefühl in den patagonischen Winden in seinem Buch Idle days in Patagonia (1893), dass es "elend ist, im Regen nass zu werden, aber angenehm, den Regen auf dem Gesicht zu spüren". "Ich bin ein ganzes Gesicht", sagte der nackte amerikanische Wilde, um zu erklären, warum ihm der düstere Wind, der seine zivilisierten Mitreisenden in ihren Pelzen frösteln ließ, kein Unbehagen bereitete" (Hudson, William. Idle days in Patagonia, London 1936, Kap.13 The Plains of Patagonia, S. 217-218). Abel Posse bezieht sich auch auf den achtjährigen Marsch von Alvar Núñez Cabeza de Vaca von der Halbinsel Florida zu den sieben heiligen Städten Mexikos: "Unsere größte Waffe, unsere Identifikation mit dem Geist dieses Landes und mit der Sitte des Menschseins dieser Völker, war unsere Nacktheit..... Auf diese Weise sahen wir geheime körperliche Kräfte in uns wiedergeboren. Unsere Haut nutzte sich ab und wir wechselten sie mit den Jahreszeiten, wie es Schlangen tun. Die Sohlen unserer Füße wuchsen wie biegsame Sohlen, und unsere Nägel wurden stärker, bis sie sich der ursprünglichen Tierkralle näherten." (Posse, Abel. El largo atardecer del caminante (Der lange Abend des Wanderers). Barcelona: Plaza & Janes, 1992). Diese analogen Selbstporträts, die in der ehemaligen Heimat von atek a chüwach a künna (Menschen am Rande der Berge) aufgenommen wurden, sind letztlich ein geheimes und wildes Solo-Verführungsspiel zwischen mir und meiner analogen 6x6 Rolleiflex-Kamera. Ich weiß nicht, ob sie eine falsche Vorstellung von mir selbst oder eine ironische Anspielung auf mich selbst sind, aber es ist ein Spiel, das mir unendliches Vergnügen bereitet.

Über die Künstlerin
Michelle Sank ist eine Dokumentarfotografin, die sich in ihrer Arbeit mit zeitgenössischen sozialen Themen auseinandersetzt. Ihre Fotografien wurden weltweit ausgestellt und veröffentlicht. Ihre Bilder befinden sich in privaten und öffentlichen Sammlungen, darunter die Open Eye Gallery, Liverpool, das Societe Jersiaise und Guernsey Museum, Chanel Islands, das Southeast Museum of Photography, Florida, das Museum of Youth Culture, UK und das Museum of Fine Arts, Houston, Texas. Sie hat zahlreiche Aufträge für prominente Galerien und Magazine in Europa und den USA übernommen und ist Preisträgerin bei renommierten Wettbewerben wie dem Taylor Wessing Prize, National Portrait Gallery, UK, The British Journal of Photography, Lens Culture, IPA und KPLA International photographic awards. Sie hat bis heute vier Bücher veröffentlicht.

Über ihr Werk
Zwischen 2016 und 2018 dokumentierte ich im Auftrag von Multistory die Vielfalt der jungen Menschen und ihr Leben im Black Country, Großbritannien. Ich interessierte mich dafür, wie kulturelle und soziale Werte innerhalb der dort lebenden ethnisch vielfältigen Gemeinschaften zum Ausdruck kommen und wie die Betonung von Körperbild, Leistung und Kleidung ein Mittel des persönlichen Ausdrucks ist. Mich hat auch fasziniert, wie diese Rituale oft einen gesellschaftlich anerkannten Übergang zum Erwachsensein und zur Verantwortung markieren und wie sich diese Übergangsriten von Mann zu Frau unterscheiden können. Die Personen wurden in ihren Schlafzimmern fotografiert, so dass die darin befindlichen Gegenstände und Dekorationen zu Metaphern für ihre Individualität und ihren kulturellen Kontext wurden. Die Begleitpublikation My.Self enthält neben den Porträts auch Interviews mit einigen der Teilnehmer.

Über den Künstler
Dan Nelken wurde in Tel Aviv geboren und wanderte mit seiner Familie in die USA aus. Als er 11 Jahre alt war, hatte Nelken bereits in vier Ländern mit drei verschiedenen Sprachen gelebt. Infolgedessen entwickelte er ein angeborenes Verständnis dafür, „der Andere“ zu sein und kämpfte damit, sich an neue Umstände anzupassen. Seinen Bachelor-Abschluss machte er am Pratt Institute. Als Dokumentarfotograf ist er bekannt für seine Porträts von Menschen, die außerhalb des gesellschaftlichen Mainstreams stehen. Seine Porträts streben danach, die Individualität zu betonen und gleichzeitig die Bedeutung von Gruppenverhalten, Gewohnheiten und Ritualen anzuerkennen. Nelken hat viele Preise und Anerkennung für sein Projekt HeadStrong und zuvor für Till The Cows Come Home: County Fair Portraits erhalten. Seine Arbeiten wurden vielfach veröffentlicht und ausgestellt und befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen.

Über sein Werk
HeadStrong ist ein fortlaufendes Foto- und Erzählprojekt, das sich auf arbeitende Frauen im ländlichen Uganda konzentriert. Diese Frauen befinden sich an einem kritischen Scheideweg in ihrer Agrargesellschaft. Nach einer von Krieg und wirtschaftlicher Unsicherheit geprägten Geschichte stehen die Frauen an der Schwelle zu einer Zukunft mit mehr Möglichkeiten für ihr Geschlecht und ihre Nachkommen. Wie ihre Geschichten zeigen, werden viele von ihnen durch den Mangel an Bildung und Chancen für sich und ihre Kinder behindert. Doch die meisten haben Hoffnung.
Während meiner vier Reisen nach Uganda als Freiwillige habe ich mit vielen Frauen in ländlichen Gebieten zu tun gehabt. Beeindruckt von der Arbeitsmoral, der Gelassenheit, dem Sinn für Humor und der Widerstandsfähigkeit der Frauen, begann ich dieses Projekt zunächst aus ästhetischen Gründen: Ich wollte ihre Persönlichkeit im natürlichen Licht Ugandas zeigen. Im Laufe des Projekts wurde mir klar, dass eine breitere Öffentlichkeit ihre Geschichten hören sollte.
Da Uganda eine der am schnellsten wachsenden und jüngsten Bevölkerungen der Welt hat (Durchschnittsalter 15,9 Jahre), ist die Rolle der Frauen entscheidend für den wirtschaftlichen, intellektuellen und gesellschaftlichen Erfolg in der Zukunft. Kindererziehung und häusliche Aufgaben liegen fast ausschließlich in der Verantwortung von Frauen; in ländlichen Gemeinden sind Frauen oft die Hauptverdienerinnen der Familie. Diese Tatsachen wirken sich unmittelbar auf das Leben der Frauen aus.
Als lebenslange professionelle Porträtfotografin entschied ich mich dafür, die Kraft des Porträts mit den eigenen Geschichten der Frauen zu kombinieren, um ihre Individualität und Ausdauer darzustellen. Da ich mir meines Außenseiterstatus und meiner unzureichenden Kenntnisse der ugandischen Gesellschaft bewusst bin, habe ich mich mit Beatrice Lamwaka, einer preisgekrönten ugandischen Autorin, zusammengetan, die einen wesentlichen ostafrikanischen weiblichen Blickwinkel in dieses Projekt einbringt. Lamwaka interviewte die Frauen und verfasste dann eine biografische Erzählung, die auch ihre Wünsche enthält, um ihr Porträt zu begleiten. Diese Texte sind ein wesentlicher Bestandteil von Headstrong.
Jede Frau drückte sich durch die persönliche Wahl ihrer Arbeitskleidung und Accessoires aus. Ihr direkter Blick vermittelt dem Betrachter ihr Selbstbewusstsein und ihre Eigenständigkeit, mit der sie sich selbst präsentieren. Ich habe Moskitonetze gewählt, um die Frauen physisch von ihrer chaotischen Umgebung zu trennen und gleichzeitig auf die mangelnde medizinische Versorgung in der Region anzuspielen.
Die Titel enthalten dokumentarische Details, die den Kontext für die Porträts liefern.

Guckst du!
Zeitgenössische Fotografie zwischen Inszenierung und Performance
27.Juni –28.August, 2021
Art Galerie Siegen, Deutschland

Teilnehmende Künstler:  Lili Almog, Patty Caroll, Kent Krugh, Lutz Matschke, Alexej Mendelevich, Dan Nelken, Michelle Sank

Art Galerie Siegen
Fuerst-Johann-Moritz-Strasse 1
57072 Siegen
Deutschland

www.artgalerie-siegen.de

Öffnungszeiten:
Mo–Freitag 10:00 – 19:00
Samstag 10:00 – 16:00